"Blue Velvet". David Lynch

Blue Velvet es el cuarto largometraje de David Lynch y fue, probablemente, el trabajo con el cual empezó a diseñar su estilo con más autonomía. Es cierto que “Eraserhead” (“Cabeza Borradora”; 1977) tiene un estilo independiente y experimental exagerado, pero fue una producción con menos resonancia. David Lynch fue reconocido con “The Elephant Man” (“El hombre elefante”; 1980), y, cuatro años después, dirigió el enorme proyecto de “Dune“. Fue una obra frustrante y con poca acogida; parte de la responsabilidad del fracaso se le puede atribuir al productor Dino de Laurentiis que modificó el montaje que Lynch tenía en mente. Así, dos años después, al recuperar el guión de “Blue Velvet”, el director dejó muy claro a su productor que él quería tener el control final sobre la obra.

Me gusta pensar que la intrahistoria del proyecto “Blue Velvet” es un mosaico de curiosas relaciones. Empiezo por el director y el productor, pero también entre el director y el compositor de la banda sonora: sí, el conocido Badalamenti, que se convierte en habitual y crea la melodía mágica de Twin Peaks. Ellos dos se conocieron mientras Lynch buscaba un músico que ayudase a Isabella Rosellini con su papel de cantante; es curioso también, porque la actriz y el director comenzaron una relación amorosa durante el rodaje.

Fotograma de Blue Velvet. Laura Dern y Kyle McLachlan

La historia que cuenta “Blue Velvet” tiene, como dije arriba, todos los rasgos más marcados de David Lynch. La acción transcurre en un tranquilo pueblo madereo (como en “Twin Peaks”), donde un comportamiento ajeno, como es un presunto secuestro, altera la normalidad. Kyle McLachlan -Agente Cooper de Twin Peaks, descubierto por Lynch en Dune- da vida a Jeffrey, un joven curioso que intenta seguir la pista a una oreja arrancada que ha encontrado en el campo. Laura Dern es Sandy en la película, la hija del jefe de policía; y se convierte en la confidente de Jeffrey. El plantel de actores se cierra con Isabella Rosellini; curioso trío para una historia “criminal y erótica” (como en “Lost Highway“) donde se encuentra una mujer morena frente a una rubia, igual que en “Mulholland Drive“.

El planteamiento estético de Lynch en este trabajo es muy curioso, porque presenta a los dos personajes principales como si fuesen actores que han entrado en la pantalla. Las sencillas cortinas blue velvet de los títulos de crédito recuerdan a las de un teatro. Por ello, Jeffrey y Sandy son dos mirones, y cuando irrumpen en escena todo se vuelve caótico y extravagante. Además, el tiempo de la acción queda suspendido porque no sabemos muy bien cuándo transcurre: hay una mezcla de la estética de los cincuenta (con música y decorados) y de los ochenta (por la trama criminal)

El guión tiene una estructura circular, pero da buena cuenta de que la tranquilidad del pueblo no existe como tal. Además, sirve para expresar la idea de que como espectadores nos atrae el “mal”. Ese espectador puede ser el mismo personaje, Jeffrey, que cuando su padre sufre un ataque al corazón apenas se compadece y que tiene cierta atracción por Frank Booth, la figura autoritaria y violenta de la película. Por concluir, el ritmo de la narración se acelera en la segunda parte de la obra, como en los clásicos del cine negro, para dar paso a la sucesión de actos que lleva hasta el clímax.

Por último, quiero apuntar que el film bebe de fuentes tan distantes como “Rear Window” (“La ventana indiscreta”; 1954) de Hitchcock -los dos personajes se llaman igual: Jeffrey-; y, en algunos momentos de violencia en grupo de “A Clockwork Orange” (“La Naranja Mecánica”; 1971) de Kubrick.

- Bibliografía: “El libro de David Lynch”. Colección Grandes Directores. Thierry Jousse.

- Entrada Relacionada: “Versión ópera de Carretera Perdida“